Category: искусство

Происхождение искусства и искусственный интеллект

Читаю книгу Столяра “Происхождение изобразительного искусства” (М,1985) - о неолитическом искусстве.
В начале он разбирает существующие гипотезы его происхождения. Они делятся на два класса - редукционистские и идеалистические. Редукционистские - это неоантропы мазали рукой по стене и получился бизон, или делали отпечатки рук на стенах и перешли к рисунку. Или просто смотрели красивые камни в природе, а потом стали рисовать бизонов. Идеалистические - вдруг в неоантропе проснулся человеческий дух, и он стал рисовать как Дюрер.
Оба этих подхода игнорируют факты.
Факты же должны показать развитие изображения. Это нам сейчас кажется, что создавать изображение - понятно и легко. Но на самом деле - это не менее сложный навык, чем письменность или речь. Более того, способность к нему, должна была (думаю я) закрепиться генетически, подобно тому, как речь повлияла на форму гортани.
То есть идея о том, что контуры на стене эквивалентны животному - чудовищно не тривиальна.
Более, того, поразительный факт - искусство эволюционирует медленно. Каждое улучшение требует многоженства поколений. Это нам сейчас инновации кажутся легим делом - но только потому, что у нас есть идея инноваций и способ их делания (то есть это никакие не инновации, а просто навык комбинаторики - давай те сделаем как убер, но для комнатных растений, например).
Тот факт, что люди ничего придумать нового не могут, собственно и позволяет делать историю искусства - то есть прослеживать, как некая идея где-то возникла и мучительно медленно видоизменялась.
И оказывается, что факты есть - это своего рода музеи из костей убитых животных, которые создавали древние люди в Алпах (медвежьи пещеры).
То есть идея изображения , если вкратце, рождается из костей. (А искусство является символической формой добычи - отсюда кстати, прямые следствия к феномену коллекционирования сейчас). Сначала приносили тушу, потом половину туши ставили как памятник туше, потом делали музеи из костей, где из разных костей выкладывали образ туши. (Вот оно, зарождение графики - туша объемна, а кость графична)
Потом сделали натуральный макет туши - глиняную подставку, на которую сверху клали шкуру с головой. Потом стали глиняную подставку прислонять с стене, чтобы не упала. Потом стали делать подставку все тоньше, в результате получился барельеф, по силуэту напоминающий животное. Потом просто мазали стену глиной, и на ней рисовали контур животного. Потом выцарапывали на стене контур животного и заливали его краской. Потом только стали рисовать.
Может, на самом деле все было и не так, только машина времени нам поможет это узнать. Но в результате мы получаем интеллектуальный детектив, где из огромного моря фактов получается единственно возможное логичное развитие, в котором большинство фактов получает смысл (но не все, так не бывает).



На мой взгляд, наскальное искусство похоже на точное рисование в состояние автоматического письма, которому можно иногда научиться. И еще это похоже на гипногогические образы, иногда возникающие перед закрытыми глазами. Там тоже в основном животные, в беспорядке разбросанные в темноте. Но и в пещерах было тогда темно. Магическая роль всего этого не ясно. легко сказать, что первобытное искусство было магическим ритуалом, но весь вопрос в том, что первичнее - первобытная маги или первобытное искусство. То есть сначала нужно было научиться делать подобия, а потмо придти к идее, что с помощью этих подоби можно влиять на реальный исход охоты.

В более общем смысле происхождение творчества я вижу в становлении очень важной способности человека, а именно способности вычленения нескольких признаков объекта и затем поиска всех объектов с этим же набором признаков. То, что, собственно, называется ассоциативное мышление. Я думаю, это идея важна и для будущего создания искусственного интеллекта. Уже сейчас нейронные сети умеют находить множество признаков объекта. Но теперь нужно решить обратную задачу: воссоздание объекта, когда задана лишь часть его признаков или поиск таких объектов в памяти.
Искусство, воображение, религия и конструирование новых предметов - все они опираются на этот навык.
То есть поиск корней творчества - это, собственно, поиск решения проблемы искусственного интеллекта через тайну зарождения естественного.
Другая параелелль вех этих медвежих пещер - увечья скота. Не зависимо от того, кто их делает: НЛО, мистификаторы, или обман зрения, они выглядят как форма ритуалзированного жертвоприношения животных и символических ран на нем - то есть форма общения с добычей крайне архаичная.
А.Д. Столяр. Происхождение изобразительного искусства.
// М.: «Искусство». 1985. 300 с.

Павел Леонов.

Оригинал взят у ksutyagin в Павел Леонов.
Сейчас в галерее "Роза Азора" на Суворовском бульваре идет чудесная выставка Павла Леонова и Игоря Делицина https://www.facebook.com/events/227665600729119/

Павел Леонов недавно умер, и теперь его работы начинают выглядеть совсем по другому.
Его живопись традиционно сравнивают с ковриками - ну, типа, деревенский, необразованный, у них там в деревнях у всех коврики на стенах висят... Да и сами такие узорчики по бокам его картин на что-то такое намекают, шерстяное-вязаное...




А тут смотрел именно в живопись его - как сделано - и вдруг дошло: да никакие это не коврики, это же фреска! Поэтому и смотреть нужно не сразу-целиком, как картину, а фрагментами:



Collapse )

(no subject)

Новое искусство и ценность бессмертия

В истории искусств чередуются эпохи, когда задачей искусства было или утверждение новых ценностей, или их разрушение. Примером первого может быть христианское искусство или искусство социалистического реализма. Второе – разрушение – основано на контрасте объектов из разных систем ценностей, которая приводит к их разрушению и высвобождению ума из плена застарелых концепций в пространство свободы. В искусстве 20 века, начиная с писуара Дюшана, в целом господствует искусство, нацеленное на разрушение ценностей (за исключением тоталитарного искусства). Микки-Маус с нимбом Комара и Меламида(??) – яркий пример этого господства, которое стало новой формой тоталитаризма. Позитивное искусство выродилось в низкие жанры, вроде рекламы или бумажных иконок у храма, или заряженных картин из крошеного малахита, которые лечат.
Сейчас такое разрушающее искусство исчерпало свой потенциал, так как оно разрушило почти все. Кроме того, искусство всегда транслирует те или иные ценности, и, например, ценности экологии получили всю возможную позитивную поддержку и дальше уже их транслировать скучно.
Таким образом, на смену ему логичным образом должно прийти новое искусство, которое будет позитивным, выражать новые ценности, но, самое главное, будет обладать новым изобразительным языком как средством выражения этих ценностей, потому что старый язык однозначно ассоциирован со старыми ценностями.
Ценности, которые может и должно выражать новое искусство, это ценности рациональности, прогресса, победы над смертью. Но в некотором смысле мы уже видели все это в советском монументальном искусстве эпохи Гагарина, и оно оказалось даже менее интересным и побуждающем для зрителя, чем соц.реализм 1930-50-х годов. Это связано с тем, что оно не нашло действительно увлекательных средств выражения. То есть речь идет вообще не о картине, выставке или фильме.
Есть несколько возможных направлений формирования нового искусства как способа репрезентации
1.Синтез личности и искусства, где привлекательность политического лидера одновременно обусловлена его художественным жестом, примеры: Пуси райот, Лимонов, Вадик Монро. Выращивание другого человека как арт объекта, например, воспитание девушки (Толоконникова)
2.Позитивный теракт – партизанинг, семенные бомбы, украшение среды, граффити.
Синтез политического коллективного действия и художественной акции. Группа Война.
3.Формирование интернет-мема, нацеленного на максимальный перепост – фотографии с текстом .
4. Живое искусство – объекты с элементами искусственного интеллекта, генетически модифицированные растения, аппы для айфон. Примеры: программы Scape, которая полуавтономно синтезирует музыку (генеративное искусство).
5. Создание новой среды, где жизнь, творчество, выставка, музыка сливаются вместе. Примеры: Лофт на Нагатинской, Хотел Москва на Арт Плее.
6. Торговля записями снов – скоро сны можно будет считывать из мозга.
7. Краудсорсинг научных экспериментов в массы
8. Фанфик – «Гарри Потер и методы рациональности». Секвенции постов в блоге.
9. Новая точность – передача нового содержания через образ человека – пример: фотографии японской спортсменки с ампутированной ногой. Вся их сила в выражении лица девушки.
10. Новый реализм – запись на видео моментов смерти людей, так как это по настоящему страшно, и этого почти не найти в интернете, хотя это не запрещено.
11. Спонтанное творчество масс – Харлем Шейк. Раскрепощение бессознательного – музыкальный джем для всех.
12 Инжиниринг мозга для создания неведомых ранее переживаний и вообще путь людей-киборгов (Уорвик)
13. Создание ярких логотипов – фабрика мемов.
14. Функциональные арт объекты. Криожетоны, очки гугл с видеозаписью, татуировка с группой крови и адресом криофирмы
15. Демонстративные научные эксперименты – замораживание и размораживание животных на глазах у зрителя, сканирование мозга, нейрошунты, светящиеся водоросли.
16.Новый тип очень коротких видеороликов, в несколько секунд, как гифки.
17. Формирование жанра колонки как главного типа литературного творчества
То есть мы видим много способов, как искусство может донести позитивные ценности в нашем мире, и не ясно, какой из них выстрелит. Необходимость этого связана с тем, что рациональные аргументы до людей не доходят. Невозможно сделать всех людей рациональными, хотя нужно повышать уровень образования. Убеждение людей часто происходит на дорациональном уровне, за счет яркого образа.

(no subject)

Идентичность и проблема подлинности произведений искусства

Есть другая область знаний, где давно рассматривается проблема идентичности, а именно история искусства и торговля антиквариатом. Интересно рассмотреть, как там решается похожий вопрос.
Очень часто там возникает вопрос о том, чем же оригинал лучше копии. Ведь с профанной точки зрения они выглядят абсолютно одинаково, а один стоит миллионы, другой — копейки.
1) На самом деле они не выглядят одинаково. До сих пор технологии воспроизведения не передают изображение, типы и рельеф краски точно. Можно все это компенсировать, сделать сверхточную копию. Но изготовление сверхточной копии потребует огромных финансовых ресурсов, так как ресурсов обычной цветной печати недостаточно. Нужно подбирать те же самые материалы.
2) То, что кажется точной копией, потом перестает ей казаться. Многие подделки 19 века легко отличить сейчас на взгляд, потому что они копировали не само произведение, а свое представление об оригинале. Теперь наши представления об оригинале изменились, и мы стали видеть разницу.
3) Оригинал нужен, чтобы создавать копии. Мы до сих пор не можем считать всю информацию, которая содержится на холсте, например, каков состав третьего слоя под поверхностью.
4) Но этой проблемы нет с легко копируемыми по своему определению арт объектами — стихами, например. Они были рождены копируемыми и для копирования.
5) Оригинал хорош тем, что он один. Не важно, как именно определяется его единственность, но его ценность именно от единственности зависит, так как, например, придает статус его владельцу, или дает возможность зарабатывать деньги, эксклюзивно предоставляя право на него посмотреть.

Эта дискуссия не так далека от проблемы бессмертия человека, так как наибольшую ценность представляют его сложные высокоуровневые объекты творчества, а не обычное поведение, которое занимает 99 процентов времени. Это его шутки, выражение лица, стихи, песни, книги, умные мысли или интересный секс, вкусный обед. То есть все то, что трудно свести к простому набору параметров.
Более того, интересны не сами эти вещи, а человек, как их порождающая функция. То есть именно произведения искусства, создаваемые человеком, придают этому человеку индивидуальную ценность, делают и его самого произведением искусства.

(no subject)

Основная проблема трансгумнинстического искусства — в отсутствии адекватного языка изобразительности. Есть несколько тем Тг искусства, которые обычно перепеваются:
а) светящийся полумозг-полукомпьютер
б) баборобот, сочетающая сексуальность и элементы электроники
в) пейзаж фантастического города
г) техническая иллюстрация медицинского наноробота.
д) космические пейзажи
Сразу отметим, что это не изображения реальных объектов, а символические репрезентации образа желаемого будущего. Поскольку, однако, техническая сторона вопроса подавила способность тонко чувствовать различия, это образы получаются отталкивающими по колориту, пластике и выражению лица. (Те же претензии люди с музыкальным образованием выдвигают и к рок-опере Аргонова «2032», а именно, им не нравится звучание музыки.)
Но на самом деле будущее сверхсущество не будет бесчеловечным сферическим рациональным агентом в вакууме. Оно будет даже более человечным, чем сам человек, то есть оно будет чувствовать все тонкие различия.
Где я вижу отзвуки возможного Тг искусства:
творчество Д.Хёрста («Невозможность смерти в сознании живущего»),
песня из начала фильма «Клетка для канареек» – вообще все искусство о самопреодолении, победе над собой и трансценденции. http://www.youtube.com/watch?v=ht2KrQGvzF8
искусство концептуализма, то есть создание зрительных образов из элементов текста и знаков, нечто вроде высшей формы логотипа — неплохой образец здесь - http://beopenfuture.com/poll
советское искусство в некоторых моментах — например, песни «прекрасное далеко» или «пусть всегда будет солнце» - то есть заявление не методов ТГ (роботы итд) а целей — физическое бессмертие.
С другой стороны, это не должна быть масляная живопись или образы, подобные иконам, поскольку medium is the message, и если ты нарисуешь икону с искусственным интеллектом, то в результате все равно получишь Христа. То есть, скорее, это должно быть сделано с помощью какой-то сверхсовременной технологии, например, нарисовано лазерами в водяном паре.
Я думаю, что Тг образы должны быть более персонифицированы, чтобы вызывать больший эмоциональный отклик. В них так же дожно быть трагическое чувство жизни, то есть осознание того, что бессмертие — это только попытка, которая возможно потерпит неудачу.
Например: программист, запускающий первый ИИ,
первый возвращенный к жизни криопациент
последний человек на земле.

(no subject)

Архетипический сюжет - это то, что бессмертное существо отказывается от бессмертия. Добровольно или нет. Начиная с евангелия, эльфы, кощей бессмертный, Уэльбек. Это составляет сюжет, то есть создает интригу. В конце существо иногда получает бессмертие обратно, но в другой форме — в виде славы, детей, или внетелесного воскрешения.

Важно понять, что это именно форма восприятия, удобна для художественного творчества, но не руководство к действию.

Бессмертное существо в мире смертных воспринимается как несправедливость, и это действительно так.

Одна из задач художественных произведений на тему бессмертия — оправдать смерть и тем самым потрафить читателю, показать ему, что его положение не так плохо, как кажется. («200 летний человек»).

С другой стороны, бессмертие в искусстве обычно оправдано, если оно делается из любви или для любви («спящая красавица»).

Если бессмертие индивида обычно осуждается, то бессмертие рода, страны или всей земли, всего человечества — одобряется, и ради него герой часто должен пожертвовать жизнью (обретя символическое бессмертие в виде условной славы). Отчасти это происходит потому, что произведения искусства — это инструмент пропаганды, с помощью которого группа людей управляет своими членами, и призывает их совершить «апоптоз» ради продолжения существования группы.

Если вы против бессмертия, то согласны ли вы тем, что и любая группа людей, любая страна имеет свой отведенный срок существования, и, следовательно, «Россия должна умереть»? Или она должна существовать вечно?

Борьба общества с бессмертными индивидами подобна борьбе организма с раковыми, сенесцентными (старыми) и лишними клетками.



В целом, в искусстве образ физического бессмертия обычно рассматривается негативно, но в то же время нефизическое бессмертие преподносится как возможное и желательное. Все недостатки физического бессмертия почему-то перестают действовать, когда появляется бессмертие небесное. Нет никакой разницы между физическим и нефизическим, есть только процессы обработки информации.

(no subject)

http://musevery.com/

я учтсвю в этом проекте
неизвестные художники россии - приносите свои картины в центр современного искусства гараж в парке горького! в эти и следующие выходные до 9 вечера - проект "музея всего"

Мои картины

напомню, что у меня крупнейшая в москве частная коллекция наивного и аутсайдерского искусства, около 1000 работ. Я продолжаю пополнять ее.

Недавние приобретения:



А.Д.Пыжова. Возникновение СПИДа.
20 июля в музее наивного искусства в Новогиреево в 16.00 открывается ее персональная выставка к 75-летию художницы. Союзный проспект, д.15. Но там будут гораздо более "милые" работы.

Сегодня открыл большую выставку Леонова в Пушке

upd видео на тв культура со мной в гл. роли
http://www.tvkultura.ru/news.html?id=613288&cid=46


выкладываю пресс-релиз:

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С.Пушкина
Отдел личных коллекций
12 марта – 3 апреля 2011 г.

ЖИВОПИСЬ
ПАВЛА ЛЕОНОВА
из собрания Ксении Богемской (это моя мама, которая умерла полгода назад)




…Пройдут годы, и всем будет очевидно: Леонов – великий русский художник.
Уже не будут вспоминать определение наивный.
К.Богемская

Имя Павла Петровича Леонова известно многим ценителям наивного искусства не только в России, но и за рубежом. Как и большинство наивных мастеров, Павел Леонов - человек трудной судьбы. Он родился в 1920 г. в Орловской области, в селе Волотовское, сменил множество профессий: был библиотекарем, пионервожатым, маляром, жестянщиком, работал на стройке. Несколько раз попадал в тюрьму. За годы скитаний объездил почти весь Советский Союз. Все это время Леонов не оставлял свою мечту – стать художником.
В 1960 году он поступил в Заочный народный университет в Москве, но вскоре прекратил свои занятия.В 1968 году Павел Петрович возобновил учебу у знаменитого художника и педагога – Михаила Рогинского. Впервые его работы были показаны в Москве в 1970 г. В его картинках проявлялось романтизированное представление о мире, главным сюжетом стала мечта о стране благоденствия, где нет насилия и унижения, где труд радостен и почетен. Только с 1991 г., в возрасте 71 года Павел Леонов наконец начал постоянно заниматься живописью.
Его картины полны оптимизма и ясности взгляда, в них причудливо смешано прошлое и будущее. В этих нарядных ковровых композициях зритель видит крепко "сконструированное" обобщение, выделение главного – по иконописному принципу. О Леонове часто пишут, что он "бытописатель исчезнувшего государства СССР". Он создал свой мир, состоящий из узнаваемых советских штампов, но в этом мире царит согласие, а добро побеждает зло.
Часто, чтобы раскрыть свой внутренний дар, художнику бывает нужна помощь извне, причем помощь не просто коллекционера и мецената, но и помощь человека, сопереживающего творчеству. Такую роль в жизни Павла Петровича Леонова сыграла зам. директора по науке Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина (ГМИИ), доктор искусствоведения Ксения Богемская, недавно ушедшая из жизни. В 1990 г. она организовала галерею наивного искусства "Дар", одну из первых художественных галерей в Москве. Во многом благодаря усилиям Ксении Богемской широкая публика узнала Павла Леонова и других мастеров наивного искусства.
Именно благодаря Ксении, совмещавшей кропотливый труд кабинетного исследователя и изыскания коллекционера, лично знакомого со своими своеобразными героями, был подогрет зрительский и научный интерес к искусству отечественных художников-самоучек, более того, их имена, как и их творчество, приобрели международный статус и стали известны далеко за пределами России.
Написанные ей книги, многочисленные статьи и справочники, организованные конференции и выставки сделали свое дело. Наивное искусство или искусство аутсайдеров перестало быть уделом чудаков-любителей, был разорван порочный круг непонимания важности и глубины проблем, связанных с его изучением, не только как самостоятельного явления, отражающего неизбывность потребности личности в творческой самореализации, но как важной составляющей истории отечественного искусства, его яркой и впечатляющей страницей.


Адрес музея: ул.Волхонка, 10; (495) 697-16-10
12-19, выходные: понедельник, вторник